Alexander Kitaev ble født i 1952 i Leningrad. Jobbet som fotograf ved en skipsbyggingsbedrift (1978-1999). Han fikk sin primære fotoutdanning ved VDK fotoklubb og på kursene for fotojournalister ved Journalistenes Hus. Siden 1975 har han vært en aktiv kreativ utstillingsaktiviteter- Forfatter av 35 solo og deltaker på mer enn 70 gruppeutstillinger i Russland og i utlandet. Medlem av Union of Photographers of Russia (1992). Medlem av foreningen «Photopostscriptum» (1993). Medlem av Union of Artists of Russia (1994). Verkene er i russiske og utenlandske offentlige og private samlinger. Jobber for tiden som frilansfotograf.
SOLOUTSTILLINGER
1988
"By uten kumach". showroom "Nevsky, 91", Leningrad
1991 "Leker med rommet". Designfirmaet "Sosnovo", Leningrad.
1994
"EN POSTERIORI". "PS-Place", St. Petersburg. (c)
"Konstanter". Utstillingshall i Moskva-regionen St. Petersburg (katalog)
"Triksene til Vertumnus". Studio "Stool", St. Petersburg
1995 "Hvitt interiør". "Den gyldne hage" Forlag "LIMBUS-PRESS", St. Petersburg
1996 PHOTOSYNKYRIA 96. 9. internasjonale møte. Thessaloniki, Hellas
"Petersburg Album". Galleri "Old Village", St. Petersburg
"Innfra" (FOTOFAIR'96) . Central Exhibition Hall "Manezh", St. Petersburg
"Petersburg gjennom øynene til Wubbo de Young, Amsterdam gjennom øynene til Alexander Kitaev." Nieuwe Kerk, Amsterdam; Central Exhibition Hall "Manege", St. Petersburg.
"Bilder av det hellige fjell". KODAK Pro-Center, St. Petersburg.
GRUPPEUTSTILLINGER
1988 "...en by som er kjent for tårer." Utstilling-handling av foreningen "Community of Photographers", Leningrad - Moskva.
1989
"Lattervåpen" All-Union fotoutstilling, Armavir (c)
IV Biennale for analytisk fotografi. Yoshkar Ola, Cheboksary (c)
1993 "Årlig utstilling av Union of Photographers of Russia". Central House of Artists, Moskva
"Photopostscriptum". Russisk museum, St. Petersburg (k)
1994-96 “Selvidentifikasjon. Aspekter av St. Petersburg-kunsten på 1970-1990-tallet. Kiel, Berlin, Oslo, Sopot, St. Petersburg
1995 "Den siste fotokunsten fra Russland". Frankfurt, Düsseldorf, Karlsruhe, Hannover, Gerten, Tyskland.
1997 "Petersburg' 96", Central Exhibition Hall "Manezh", St. Petersburg
"Northern Dream" (CD-ROM Photo-show) innenfor rammen av festivalen "Salyut, Petersburg", World Financial Center, New York, USA
"Window to the Netherlands", utstillingssenteret til Union of Artists, St. Petersburg; Lily Zakirova Gallery, Hesden; utstillingslokale De Waag, Lesden; Conservatory of Groningen, Groningen;
"Fotostafett: fra Rodchenko til i dag", Kommunalt galleri "A-3", Moskva;
"100 fotografier av St. Petersburg", Biblioteka im. V.V. Mayakovsky, St. Petersburg; russisk kultursenter, Praha;
Projectus. Thrown Forward”, Utstillingssenteret til Union of Artists, St. Petersburg (katalog);
Ny fotografi fra Russland, Gary Edwards Gallery, Washington, D.C., USA;
“Utstilling av verk av folkefotostudioet “VDK”, Vyborg Kulturpalass, St. Petersburg;
"Skifte. Fra Leningrad til Petersburg”, Museum of F. M. Dostoevsky, St. Petersburg;
Tower of Babel, Art College Gallery, St. Petersburg;
"Tara INCOGNITA", Museum of F. M. Dostoevsky, St. Petersburg
SAMLINGER
Statens russiske museum, St. Petersburg
State Museum of the History of St. Petersburg, St. Petersburg
Museum for fotografiske samlinger, Moskva
Gary Ranson Center for Humanitarian Researches, Austin, Texas, USA
Navigator Foundation, Boston, USA
Mendl Kaszier Foundation, Antwerpen, Belgia
Samling av restauranten "Vena", St. Petersburg
Samling av Free Culture Foundation, St. Petersburg
Samling av forlaget "LIMBUS-PRESS", St. Petersburg
Bank Imperial, St. Petersburg
Paul Zimmer, Stuttgart, Tyskland
Herbrand, Köln, Tyskland
og andre private samlinger i Tyskland, Finland, Hellas, Nederland, USA og Russland.
Kilde http://www.photographer.ru/resources/names/photographers/26.htm
Om boken av Alexander Kitaev "Petersburg light in the photographs of Karl Doutendey"
Dmitry Severyukhin
Alexander Kitaev
Petersburg-lys i fotografiene til Carl Doutendey
St. Petersburg, "Rostok", 2016 - 204 s. (Serie PHOTOROSSIKA)
ISBN 978-5-94668-188-9
For spørsmål om kjøp og distribusjon, vennligst kontakt:
[e-postbeskyttet],
[e-postbeskyttet];
www.rostokbooks.ru
Boken til den kjente St. Petersburg-fotografen, kuratoren, fotohistorikeren Alexander Kitaev forteller om de forskjellige stadiene i livet og arbeidet til den fremragende fotografipioneren Karl Doutendey, som skapte de første pålitelige fotografiske bildene av representanter for de høyeste lagene av russisk samfunn.
Boken henvender seg til et bredt spekter av lesere som er interessert i fotografiets historie og kulturen i St. Petersburg.
Navnet på fotografiets pioner, Karl Doutendey, er lite kjent ikke bare for allmennheten, men også for spesialister, i mellomtiden ble 19 år av hans liv og arbeid tilbrakt i hovedstaden i det russiske imperiet, og han sto på selve opprinnelsen til innenlandsfotografering. Uten å gå inn på en liste over årsakene til den nåværende tingenes tilstand, noterer vi oss bare én - i nesten hele 1900-tallet bidro ikke statsstrukturen i Russland, for å si det mildt, til studiet av førrevolusjonær kultur, og, som et resultat, et stort lag med dokumenter og materiale om historien innenlandsfotografering viste seg å være lite mestret og beskrevet. Til nå var nesten den eneste kilden til kunnskap om fotografens liv og arbeid den kunstneriske selvbiografien til sønnen hans, den berømte tyske kunstneren og poeten Max Doutendey, aldri utgitt på russisk. Og nå, på 204 sider av boken av Alexander Kitaev, en kjent russisk fotograf og fotografhistoriker, leser vi for første gang en bekreftet biografi om lysmaleren, presentert i detalj og bekreftet av dokumenter. I tillegg reproduserte den mer enn 170 utmerkede sjeldne fotografiske skatter levert av innenlandske og utenlandske offentlige samlinger, samt private samlere i Russland og Tyskland. Her publiserte forfatteren dusinvis av dokumenter relatert til den tidlige perioden med russisk fotografering. 
Full av oppturer og nedturer, fanger livet til Karl Doutendey. Han ble født i lille saksiske Aschersleben. I 1839, året fotografiet ble født, mistet han faren og utdannet seg til optiker-mekaniker. I 1841 kjøpte han en camera obscura i Leipzig, og etter å ha mestret daguerreotypien på egen hånd, la han ut på veien til en profesjonell portrettmaler full av kommersielle risikoer og konkurransekamp. I 1843 produserte den nylig konverterte kunstneren daguerreotypi-portretter av hertug Leopold av Dessaus og hans familie. Samme år, etter å ha sikret seg et brev til den russiske keiserinnen, ankom den 24 år gamle sakseren St. Petersburg. Snart ble han en av de beste daguerreotyperne i hovedstaden, og i 1847, før de fleste av kollegene, avsluttet han med daguerreotypi og gikk over til lovende fototeknologi etter Talbot-metoden. Å lage portretter av representanter for de øvre lagene i det russiske samfunnet, på begynnelsen av 1850-tallet. master innovatør tok en ledende posisjon i St. Petersburg fotografiske verden. På midten av 1850-tallet, etter oppfinnelsen av kollosjonsteknologi og den totale marsj av den såkalte. "visitkort", var han igjen på egenhånd - han var den første i Russland som introduserte fotolitografi, fotograferte de beste representantene for russisk kultur og distribuerte portrettene deres gjennom magasiner og kunstsalonger. I St. Petersburg ble Doubenday gift to ganger. Hans første kone, etter å ha født fire døtre, begikk selvmord. Den andre kona, en Petersburger, fødte ham en sønn her. I 1862 utviklet familie- og forretningsforholdene seg på en slik måte at fotografen ble tvunget til å forlate Russland og bosette seg i Bayern, i Würzburg, hvor nye opp- og nedturer ventet ham. Her startet han fra bunnen av, og kalte seg "en fotograf fra St. Petersburg", ble han igjen en ledende portrettmaler og en velstående person. I løpet av den tyske perioden av livet hans døde hans andre kone, som fødte en annen sønn, av en uhelbredelig sykdom, hans førstefødte sønn begikk selvmord, og yngre sønn, som blankt nektet å fortsette arbeidet til sin far, ble, som allerede nevnt, en poet og kunstner. 
Kitaevs bok "Petersburg Light in the Photographs of Karl Doutendey" er mer enn bare en biografi om en av de første fotografene som jobbet i hovedstaden i det keiserlige Russland. Forfatteren, som fordyper leseren i den sosiale atmosfæren til Nikolaev og deretter St. Petersburg etter reformen, forteller i noen detalj om begynnelsen av fotografering i Russland og Europa, viser både det profesjonelle miljøet til mesteren og det psykologiske miljøet der fotografiets pionerer måtte operere. Boken er skrevet i et klart språk og vakkert illustrert med førsteklasses gjenstander fra tidlig fotografering.
De praktfulle verkene til Carl Dauthendey har vært i glemmeboken i mer enn 150 år og feirer nå sin virkelige oppstandelse. Boken til Alexander Kitaev kaster lys ikke bare over det fantastiske livet og fotografiske arven til fotografens pioner, men gjør den spennende interessant historie kulturer fra andre halvdel av 1800-tallet.
Dmitry Severyukhin,
doktor i kunsthistorie, professor
De kjedet seg ikke
Kommentar av Alexander Kitaev
Fra dagen for utgivelsen i 1839 begynte lysmaleri raskt å erobre verden. Fotografer, som var i en hensynsløs og ustanselig bevegelse, enten de klatret på steinete topper eller dykket ned i havets dyp, fanget kloden på historisk kort tid, hvoretter de skyndte seg inn i universets avgrunn og begynte å trenge stadig mer inn i kosmos av menneskelige sjeler. Gjenutsendt i mer enn to århundrer på rad, er magasinet og avisen - "Fotografi har nådd ekstraordinær perfeksjon i våre dager" - en usviktende klisjé av overskriftene til rapporter om dens militære operasjoner. Dette angrepet av fotografer på alle fronter, på alle sfærer av menneskelig aktivitet, på grunnlaget for universet som har utviklet seg gjennom århundrene, ble (og er) ledsaget av kontinuerlig modernisering og forbedring av fotografiske verktøy, som multipliserte arsenalet av politikere og skriftefarer. , vitenskapsmenn og kunstnere, krigere og sivile. Men selv i dag er begynnelsen på denne grandiose altomfattende invasjonen fortsatt dårlig forstått. Til tross for Benjamins mangeårige uttalelse - "Tåken som omslutter fotografiets opprinnelse er fortsatt ikke så tykk ..." - forblir forsøk på å berøre våren fullstendig rudimentære, og som et resultat er i dag mange avantgardefigurer av pionerene. av fotografering er knapt synlig gjennom tykkelsen av nådeløse år. Det er mange grunner til dette, og det er ikke et spor å liste dem opp her, men det er viktig å merke seg at avvisningen av den nye kunstens tekniske natur spilte en dårlig spøk for menneskeheten: i mer enn et århundre har de fleste pålitelig tilfluktssted for inkunabler tidlige år fotografiene forble bare sårbare arkivskap og familiealbum. Selvfølgelig var virkningen av lysmaling ikke så åpenbar og synlig som dampmaskinen, konstruksjonen jernbaner, introduksjonen av elektrisitet og luftfart, men av alle de tekniske nyvinningene generert i jernalderen og fantastiske samtidige, var det bare fotografi som hadde en sjanse til å skaffe seg status som en annen muse og bli med på runddansen deres. Men det skjedde ikke. 
"Fotografi frigjorde maleriet fra kjedelig arbeid, fremfor alt fra familieportretter," uttalte Auguste Renoir, etter å ha gjort en karriere som sekulær portrettmaler. Akkurat dette, ifølge den eminente impresjonisten, et trist verk, ble rollen til Doutendey og de fleste av de første profesjonelle innen fotografering. De kjedet seg ikke, og "solens ledere" bare i det første halve århundre av fotografiets eksistens fylte familiealbum med like mange inntrykk som alle renoirene fra alle verdens land samlet ikke ville ha gjort. Millioner av jordboere dukket villig opp foran deres lysmaleriske skjell og bevarte deres autentiske utseende for ettertiden. I mellomtiden var det fotografiske portrettets inntreden i hverdagspraksis, i hverdagen (eleganseområdet er et tabu!) langt fra å være fredelig og forårsaket noen ganger hard avvisning av mange intellektuelle. I andre halvdel av 1800-tallet ble "en ny type maleri" utskjelt, ydmyket, men det er ikke en eneste kritiker som ikke ville komme til fotografen for å ta et portrett av seg selv, og deretter stolt sende det til venner og slektninger. Og likevel, siden "folk tvang solen - universets skjønnhet og drivkraft - til å være en maler" (Bulgarin), fra arroganse fra skjønnhetskjennere og småborgerlig omsorgssvikt, en rekke dyrebare "bilder fra naturen" har forsvunnet. I løpet av kort tid i historisk målestokk gikk kanskje mye mer lysmalte verk tapt enn noen andre kulturminner fra kriger og revolusjoner, branner, flom og andre natur- og menneskeskapte katastrofer.
For meg er det ingen tvil om at Carl Douthenday er en av nøkkelfigurene i fotografiet fra det nittende århundre, og studiet av hans liv og profesjonell vei er avgjørende for å forstå prosessene som foregår på den tiden i samfunnet og i fotografiet. Mesteren sto ved opprinnelsen til den nå elskede typen aktivitet til menneskeheten og levde sammen med fotografering, multiplisert og forbedret den, i mer enn et halvt århundre. I løpet av avstanden de reiste sammen utviklet lysmaleriet seg fra en sølvtavle hvor Daguerre fikk en solstråle til å fange den synlige verden, til Doutendeys klient Konrad Roentgens oppdagelse av ukjente stråler som er i stand til å tegne det usynlige på en lysfølsom fotografisk glassplate. , og de overlevende krangles om forskjellige land. (Det siste er imidlertid ikke deprimerende, fordi internasjonalisme er et generisk trekk ved fotografiet.) I et slikt startmiljø startet arbeidet med å gjenskape biografien om pioneren. 
Presset som den praktiske Karl Dauthendey utøvde på hans romantiske avkom viste seg å være så kraftig at han fulgte med den "fortapte sønnen" på reiser rundt om i verden, forfulgte ham i mange år. Kanskje avtok spenningen først da boken "The Spirit of My Father" ble utgitt fra pennen til den ikke lenger unge og berømte forfatteren Max Doutendey. I den, ved å legge til side sine favorittvanderrim, gjenfortalt Maximilian tydelig og talentfullt farens historier han hadde hørt siden barndommen om sine første eksperimenter innen fotografering, problemene han hadde opplevd i Russland og hans lidenskapelige, men fåfengte ønske om å overføre sitt livs verk. i sønnens hender. I tillegg til denne uvurderlige kilden skylder vi forfatteren en annen skattekiste: etter å ha tilbrakt livet i kontinuerlig vandring, klarte han på en mirakuløs måte å redde sin fars arkiv, hvorav en del senere havnet i Würzburg kommunale arkiv som en del av «Max. Doutendey writer fund.»2 Samlinger av familiefotografiske portretter i løpet av det jordiske livet til deres første eiere, så vel som i løpet av livet til den første generasjonen av arvinger, vekket for øvrig ingen offentlig interesse og hadde funksjonen som utelukkende familieminne . (Og dette er deres forskjell fra billedportrettet.) Først i det turbulente 1900-tallet for Europa, med barnebarn og oldebarn, havnet mange slektsarkiver ufrivillig i museumssamlinger, og da kun som hjelpenytte, illustrasjonsmateriale for div. studier innen materiell kultur.
Og her er det umulig å ikke legge merke til forskjellen mellom familiealbumet til en lekmannsklient og fotografens eget arkiv. Og i begge: kjære mennesker, men hvis i det første - fullførte og betalte prøver av andres arbeid, så er deres forfatter-utøver annerledes. Hver fotograf vet at bare bilder tatt "for seg selv" og "for sine egne", og ikke for en lunefull klient, er den sikreste nøkkelen til å forstå ambisjonene, søkene og arbeidsmetodene til en kollega. Hvem, om ikke de nærmeste slektninger og venner, tåler tålmodig øvelsene til en lysmaler som mestrer innovasjoner med tilbørlig ydmykhet og forståelse? Hvem, om ikke dem, som blir til resignerte statister, blir de første modellene av kunstneren som søker perfeksjon, deltakere i hans endeløse eksperimenter, hans risikable eksperimenter, hvor portrettmaleren kan prøve ny optikk uten frykt for å mislykkes. , teste fotografiske materialer, sette tvilsomt lys, trene nye positurer, komposisjonsteknikker osv. osv.? Doubtenday, som mange fotografer av alle fremtidige generasjoner, finpusset sine ferdigheter i å fotografere sine kjære, og heldigvis hadde vi en del slike fotografier til rådighet. Jeg burde ikke falle inn i en kunstkritikkanalyse, og Doutenday kalte seg aldri en kunstner, men det er utrolig hvor grasiøst bildene hans er bygget med døtrene hans, med sønner, med andre slektninger, hvor nøyaktige og ubegrensede mange enkeltportretter av hans fremførelse - alt dette er tegn på ikke bare høy dyktighet og en ganske utviklet følelse av skjønnhet, men også ubetinget talent.
Uten å hevde å være en fullstendig gjennomgang av alle de overlevende verkene til Karl Dauthendey, satte forfatteren seg i oppgave å identifisere kun fotografier som avslører og forklarer hovedstadiene profesjonell aktivitet mestere og milepæler i dannelsen av en gang nytt yrke- en fotograf. Om det lyktes er opp til leseren å vurdere.
A. Kitaev
Kilde http://www.photographer.ru/events/review/6900.htm
Bilder av Alexander Kitaev kan sees her
Shadogram, rayogram, fotogram... Denne listen kan fortsettes ved å angi ett navn til: Kitaevs fotogram. På slutten av 1980-tallet, eller rettere sagt, i 1989, "oppdaget" Alexander Kitaev fotografering uten kamera. Det viste seg at hvis objektet plasseres på fotosensitivt papir og et sterkt lys slås på, vil et uvanlig bilde fås som bare delvis ligner selve objektet. Men hvis de fleste av hans berømte forgjengere jobbet med enkle konturer og silhuetter, begynte Alexander Kitaev å eksperimentere med volumetrisk glass og jobbe med en lysstråle som en børste. I komposisjonene hans blir lys hovedsaken. Lys skaper en ny virkelighet som tiltrekker øyet og inviterer deg til å reise i dypet, og objekter får mening og betydning avhengig av hvor lysfylte de er. Og her trenger du et strålende utseende av kunstneren, som,
som en "magisk krystall", skaper et magisk "skifte" i oppfatningen av verden.
I.G.: Alexander, hvordan startet fotogrammet for deg? Hva fikk deg til å gjøre dette?
Alexander Kitaev: Det var flere meldinger for dette. La oss starte med det som ved første øyekast kan virke ganske prosaisk. Favorittkameraet mitt, som jeg utførte mine kunstneriske bevegelser med, begynte å dø - alle dets vitale organer begynte å svikte under påvirkning av tiden. På den tiden jobbet jeg på fabrikken som fotograf, og jeg hadde massevis av statseid utstyr, men for statseide formål jobbet jeg også med kameraet mitt, da det var mye bedre: det ga et bedre bilde, det var bedre objektiver, bedre lukker osv.
Så det ble mer og mer vanskelig for det syke kameraet å fungere, og det var ingen mulighet til å kjøpe et nytt instrument. Mitt aktive kreative liv krevde å finne et passende utløp, og jeg bestemte meg for å ta bilder uten kamera.
En annen grunn som fikk meg til å ta opp fotografering var ønsket om å forlate det utilitaristiske håndverket. Jeg ønsket abstrakt tenkning og frihet fra det faktiske fotografiske bildet.
I.G.: Var du kjent med lignende bilder laget av dine forgjengere? Prøvde du å etterligne noen først, eller begynte du umiddelbart å gjøre noe eget?
Alexander Kitaev: Da jeg ble interessert i fotografering, ble jeg nysgjerrig på hvem, når og hvordan gjorde dette. Så jeg lærte at de første fotografiske bildene i Russland var "lysbilder" - kontakttrykk av planteblader, oppnådd i hovedstaden Petersburg av botanikeren ved Imperial Academy of Sciences Yu. F. Fritsshe på lysfølsomme materialer laget i 1839 av en av lysmaleriets fedre - Fox Talbot. På 1920-tallet søkte Laszlo Moholy-Nagy, en representant for den berømte kunstskolen Bauhaus, å lage kunstneriske bilder ved hjelp av fotografi, og ikke dokumenter, slik det ble praktisert på hans tid. I de samme årene var den verdensberømte russiske kunstneren Alexander Rodchenko, hvis fotogrammer er ganske sjeldne i publikasjoner, og hans samtidige, skaperen av den russiske avantgarden Georgy Zimin, engasjert i fotogrammering, hvis verk også er vanskelig å se, siden de stort sett er i private utenlandske samlinger.
Selvfølgelig prøvde jeg å jobbe med blader, alle prøvde det, og de første fotogrammene mine var ganske enkle. Men jeg skjønte raskt at jeg ikke var interessert i å lage et silhuettfotogram, det var ikke interessant å bygge noen gjenkjennelige bilder fra disse silhuettene (for eksempel portretter fra binders). Jeg ønsket å "bli kvitt" fullstendig og lage bilder av rom og tid uten å stole på objektet og dets tvangsmessige omriss.
For meg har fotogrammet erstattet stillebenet, noe jeg aldri gjorde. Jeg bygde komposisjoner fra transparente eller gjennomskinnelige objekter og prøvde å se deres interaksjon med hverandre og med rommet.
I. G.: Hvilke følelser opplevde du da du så inn i en fantasiverden gjennom et flaskeglass?
Alexander Kitaev: For meg var det en absolutt lidenskap, siden fotogrambildene mine ikke hadde noen bruksverdi, i motsetning til Bauhaus eller Rodchenko, hvis fotogrammer ble brukt i brukt design for å lage omslag, plakater osv. Det var et spill med frihet, jeg skapte rom følte jeg meg som en demiurge.
Ved å jobbe med kjente objekter så jeg hvordan en essens som er usynlig for oss, dukker opp fra dem, hvor vakre de er, hvordan de ønsker å bli fotografert (ifølge Baudrillard).
I.G.: Hvordan utviklet syklusene dine seg, for dette er ikke serier, men sykluser som kan vare i det uendelige og gradvis suppleres?
Alexander Kitaev: Det er derfor jeg kalte dem sykluser. Jeg må si at jeg ikke gjorde det hele tiden. Når du er nedsenket i fotogrammenes verden i en måned eller
to, det var umulig å ta et direkte bilde - jeg var helt i denne plassen. Så trakk det virkelige livet meg ut av denne tilstanden og tvang meg til å ta opp brukt fotografering igjen. Jeg kalte den første formulerte syklusen "tare incognita" eller, mer enkelt, "ukjent beholder" (1989-1990), der jeg utforsket plast, lys og skygge, komposisjon og andre muligheter til glassbeholdere, så justerte jeg og så tett på gjenstandene.
For å forstå hvordan man jobber med dette eller det fartøyet, begynte jeg til og med å lage et galleri med portretter av flasker, deres indre lyse utseende. Det viktigste var å velge lys og eksponering på en slik måte at både silhuetten, og høydepunkter, og intern struktur gjenstand. Nysgjerrige ting dukket opp. Når gjenskinnet plutselig renner ut av gjenstanden, forstår du at gjenstanden ikke bare lever i et lukket rom inne i seg selv (for eksempel en flaske), men den kaster også en slags væske, stråler i alle retninger, som jeg prøvde å fastsette.
I.G.: Var det noen favorittmodeller?
Alexander Kitaev: Ja, jeg kom over et objekt som jeg jobbet med i flere år. Han malte veldig vakkert inni seg selv, disse strålene levde sitt eget liv, man kunne fange dem i noen fantastiske kombinasjoner; det var en ødelagt kanne. Da jeg forlot fabrikken, var jeg for lat til å hente den: det virket for meg som om dette var en blindvei, så mye var allerede gjort med det. Men etter en stund skjønte jeg at jeg manglet ham sårt og at det ikke fantes noen erstatning for ham.
I. G.: Når du ser et objekt, kan du umiddelbart anta hva som vil komme ut av det?
Alexander Kitaev: På forskjellige måter. Noen ganger føler jeg hva som fungerer og hva som ikke fungerer. Noen ganger lager de enkleste og mest lite attraktive flaskene fantastiske bilder, men vakre og elegante gjenstander viser seg å være uinteressante, eller jeg vet bare ikke hvordan jeg skal fotografere dem godt.
I. G.: Har det vært selvrepetisjoner, og hvor vanskelig var det å unngå dem?
Alexander Kitaev: Fotoabstraksjonens verden virket uendelig for meg, men likevel så jeg blindveiene mine og prøvde å komme meg vekk fra objektet. Fotogrammet er alltid diktert av skalaen til objektet, silhuetten av en halvliters flaske passer på et 30x40 ark. Da jeg så at strålene som jeg prøver å redde fra den skaper et mye større bildeplan, ble jeg interessert i å jobbe videre. I utgangspunktet var lyskilden min en forstørrer, senere begynte jeg å bygge noen installasjoner som kunne tillate meg å transformere et objekt og lage mye større malerier fra et objekt i samme skala. For å gjøre dette brukte jeg glass, speil. For eksempel ble meterstore fotogrammer laget av bittesmå kjegler som passer til alt: silhuettene, skyggene, høydepunktene. Så kom jeg på ideen om å transformere selve arket med lysfølsomt papir for å lage en annen tegning. applikasjon
toning og bruk av ulike typer fotopapir ga også flere muligheter for å lage unike bilder.
I.G.: Ble fotogramsyklusene dine laget én etter én, eller overlappet de?
Alexander Kitaev: Selvfølgelig krysset vi stier. For meg var det ren lek. Jeg kom alltid på noe nytt. For eksempel begynte han å lage bilder ved å helle fremkaller på ark med lysfølsomme materialer.
Kjemografi - dette er navnet på denne prosessen - en veldig spennende aktivitet! Nesten i samme åndedrag skapte jeg fotografiske malerier, som senere dannet to sykluser: "The First Days of Creation" og "Listening to Music" (1990-1991). "Spree" i kjemografi varte ganske lenge og presset fotogrammet halvannet år, til det dukket opp ny idé. I disse årene kjøpte jeg et veldig dyrt russisk-amerikansk album "Photographs of the Earth from Space", som var veldig dyrt på den tiden. Jeg så jorden og innså at jeg ser de samme strukturene og teksturene i glassobjektene mine. Det var
sinnsykt interessant, åpen plass. Slik ble syklusene «The Forgotten Zodiac» og «Landscapes» (1994-1995) født.
Da jeg prøvde å endre lyskildene, plassere dem inne i eller når som helst på overflaten av objektet, så jeg igjen en slående
bilde. Jeg kom over et objekt som under slike eksperimenter plutselig begynte å gi en slags fysiologiske bilder med erotiske overtoner. Disse bildene dannet en annen syklus, som jeg kalte "The Bottle Game" (1994).
Det var også slike fotogrammer som var veldig glad i meg, men som ikke passet direkte inn i en eller annen syklus. Og jeg fant på et navn for dem: «Lysets reiser». Faktisk er alle fotogrammer lysreiser. Denne syklusen er stor nok og kan hele tiden suppleres.
I. G.: Fotogrammet, med sin unike estetikk og ubegrensede komposisjonsmuligheter, samsvarer kanskje ikke med noen
fotosjanger. Kan det tilskrives en spesiell type kunst?
Alexander Kitaev: Når jeg jobbet med fotogrammer, studerte jeg de generelle lovene for kunst, det var bare mer praktisk for meg å gjøre det på fotografisk papir. Det som overrasket meg mest var at mine forsøk på å praktisere nye former førte til en endring i oppfatningen av verden og skapelse av bilder som avviker langt fra fotografiet. Jeg likte den nysgjerrige tolkningen av begrepene "lysmaleri" og "fotografi" av V. T. Gruntal i boken "Fotoillustrasjon. Lett maleri. Transformasjon. Fotomontasje". Forfatteren la merke til at ordet «lysmaleri» er den nøyaktige oversettelsen av ordet «fotografi», og satte ikke et likhetstegn mellom dem, men hevdet at fotografering bare er ett av de spesielle tilfellene av lysmaleri. Han utviklet denne ideen og skrev: «Å skaffe et bilde ved hjelp av lysmaling krever kanskje ikke optiske systemer som er nødvendige for fotografering. Etter å ha passert den hundre år gamle stien, er lysmaleri fortsatt anvendelig i sin
uberørt og ren, men bruker allerede de tekniske prestasjonene som ble gjort av fotografiet generert av det. I følge Gruntal ble alt som er skrevet med "naturens blyant", som Talbot utpekte oppfinnelsen sin, i uminnelige tider delt inn i to områder: lysmaleri som en ren kunst og fotografi som en anvendt ferdighet.
I. G.: Fotogrammene dine fremkaller alltid et bredt spekter av følelser fra misforståelser og til og med avvisning til fullstendig glede. Er det mulig å
hvordan hjelpe den uforståelige seeren og er det nødvendig å gjøre dette?
Alexander Kitaev: Hver person er utstyrt med evnen til å oppfatte, men ikke alle har utviklet en ferdighet ut av denne evnen. Å bringe en slags litteratur inn i abstrakte komposisjoner (for dette er det nok å gi tittelen bare syklusene, og ikke hvert bilde separat), er det slett ikke nødvendig å tvinge betrakteren til å lese denne litteraturen. Det er mye mer verdifullt å gi frihet til å lese en kunstnerisk uttalelse.
I.G.: Til tross for at fotogrammet forblir sjeldent og eksotisk i dag, hobbyen til noen få elskere av tilfeldig, uforutsigbar
spill er heldigvis kjennere av slik kreativitet. Er det synd å skille seg fra et unikt verk som ikke har noe opplag?
Alexander Kitaev: Hvis jeg publiserer arbeidet mitt, lever det allerede sitt eget uavhengige liv, og livet er mye lengre enn mitt. Hvis verdsatt og kjøpt - det er hyggelig.
Fotograf, kurator, fotohistoriker. Født i 1952 i Leningrad. Medlem av Union of Photographers of Russia (1992), Union of Artists of Russia (1994). I 1977 ble han uteksaminert fra fakultetet for fotojournalistikk ved City University of Workers' Correspondents ved Leningrad House of Journalists. Han var medlem av amatørfotoforeninger: fotoklubber i VDK, Druzhba (1972-1982); "Speil" (1987-1988). Jobbet som fotograf ved en skipsbyggingsbedrift (1978-1999). Medlem av organisasjonsstyret for festivalen «Tradisjonelt høstfotomaraton» (1998-2003). Siden 1999 freelance artist. I 2000 organiserte han forlaget Art-Tema, som spesialiserte seg på å publisere publikasjoner om fotografi (art director, 2000-2001). Redaktør for «Art Attic»-seksjonen i nettverksmagasinet Peter-club (2000-2001). Kunstdirektør for Raskolnikov fotogalleri (2004-2005). Forfatter av mer enn sytti separatutstillinger holdt i Russland, England, Tyskland, Holland, Hellas, Italia, Sveits, deltaker på mer enn 150 gruppeutstillinger. Fra 1996 til 2010 som kurator gjennomførte han atten utstillingsprosjekter. Forfatter av tekster om fotografiets historie, forfatter og kompilator av en rekke album og bøker. Stipendholder av Paris rådhus (2006).
Verkene er lagret i Statens russiske museum, St. Petersburg; Det russiske nasjonalbiblioteket, St. Petersburg; Statens museum for historien til St. Petersburg; Yaroslavl kunstmuseum; Museum "Moscow House of Photography"; Moskva museum for moderne kunst; Statens russiske fotografimuseum, Nizhny Novgorod; Museum for fotografiske samlinger, Moskva; Museum for ikke-konformistisk kunst, St. Petersburg; Statens senter fotografier (ROSFOTO), St. Petersburg; Fotografisk museum "Metenkovs hus", Jekaterinburg; Litteratur- og minnemuseet til F.M. Dostojevskij, St. Petersburg; Museum for Institutt for russisk litteratur (Pushkin-huset), St. Petersburg; St. Petersburg statsmuseum for musikalsk og teaterkunst, St. Petersburg; Museum "House of V. V. Nabokov", St. Petersburg. Verkene er inkludert i samlingene til: Free Culture Foundation, St. Petersburg; Fundament historisk fotografi dem. Karl Bulla, St. Petersburg; Ruarts Foundation, Moskva; Museum of the History of Photography, St. Petersburg; Museum for organisk kultur, Kolomna; Lumiere Brothers Center for Photography, Moskva; Harry Ranson Humanitarian Research Center, Austin, Texas, USA; E. Yu Andreeva, St. Petersburg; V. N. Valrana, St. Petersburg; Gallerier "Artnasos", St. Petersburg; Gallerier Gisich, St. Petersburg; M. I. Golosovsky, Krasnogorsk; A. V. Loginova, Moskva; O. I. Plyushkova, St. Petersburg; Luke & A Gallery of Modern Art, London; The Navigator Foundation, Boston, USA; Norton og Nancy Dodge Collection, USA; Jane Voorhees Zimmerli kunstmuseum, Rutgers; State University of New Jersey, New Brunswik, NJ, USA; Mendi Kaszier Foundation, Antwerpen, Belgien; Jean Olaniszyn Collection, Losone, Svizzera; M. Redaelli & P. Todorovch, Sorengo, Svizzera; russisk kunstsamling Gianni Foraboschi, Milano, Italia; Mark Faist, Houston, TX, USA; kultursenter Locarno "Rivellino LDV", Svizzera og andre.
Han foreleste om fotografiets historie og teori og holdt mesterklasser ved Statens museum for historie i St. Petersburg; Statens russiske fotografimuseum (Nizjnij Novgorod); Fotografisk museum "Metenkovs hus" (Yekaterinburg); Ungdomsopplæringssenteret i Statens Eremitage; Museum of the History of Photography (St. Petersburg); Museum for fotografihistorie (Kolomna); Baltisk fotoskole (St. Petersburg); Foundation "Petersburg Photo Workshops" (St. Petersburg); School of Visual Arts (Moskva); Kaliningrad Union of Photographers; State Center for Photography ROSPHOTO (St. Petersburg); Leica Akademie (Moskva), etc.
Op.:
Velsignelse / int. Kunst. I. Chmyreva. SPb., 2000
Ufrivillig landskapslinje / int. Kunst. V. Savchuk. SPb., 2000
Still-lys / int. Kunst. I. Chmyreva. SPb., 2000
Fotografisk tid til Karl Bulla / Petersburg. 1903 i fotografier av K.K. Bulls: katalog, 2003
Vasily Sokornov. Spesialitet: utsikt over Krim / Vasily Sokornov. Typer av Krim: katalog. SPb., 2005
Levende vesener i lysmalende representasjon / Prikker. Om fotografiets historie. Album. SPb., 2005
Den første lysmaleren i St. Petersburg / Ivan Bianchi - den første lysmaleren i St. Petersburg: katalog. SPb., 2005
Livsbekreftende sjanger / Nu. Album. SPb., 2006
Emne. Fotograf om fotografering. SPb., 2006
Om fotografi, Petersburg og slutten av århundret / Boris Smelov. Retrospektiv: GE-katalogen, 2009
Sjanger: Petersburg. Album. SPb., 2011
Subjektivt om fotografer. Bokstaver. St. Petersburg, 2013
Petersburg-ekspedisjonen til Ivan Bianchi / Russian World: Almanac. St. Petersburg, 2014
St. Petersburg i verkene til tyske fotografer fra det 19. århundre: katalog. St. Petersburg, 2014
Petersburg Ivan Bianchi. Post restante. St. Petersburg, 2015
Litt.:
Photopostscriptum: katalog / int. Kunst. A. Borovsky, St. Petersburg, 1993
Selvidentifikasjon. Stillinger i St. Petersburg kunst fra 1970 til i dag. Berlin, 1994
Die nye russiske fotografier: Catalogue. Leverkusen, Tyskland, 1998
Det russiske museet presenterer: Abstraksjon i Russland. XX århundre / Almanakk. Utgave. 17. Timing. St. Petersburg, 2001
Savchuk V. Konvertering av kunst. SPb., 2001
Fotografi av den posterotiske æra / Ontologi av mulige verdener / materialer vitenskapelig konferanse under. utg. B.I. Lipsky. SPb., 2001
Black & White Petersburg 1703-2003: Katalog. St. Petersburg, 2002
Naken i den post-erotiske tidsalder. Das rigorose Gluck. Erste Annaerung. Hrg. Bernd Ternes und dem RG-Verein. Marburg, 2002
St. Petersburg i svart-hvitt. Statens russiske museum, Palace Editions, 2003
Valran V.N. Leningrad undergrunn: maleri, fotografi, rockemusikk. SPb., 2003
To vann. Saint Petersburg. Album. SPb., 2003
Det russiske museet presenterer: Black and White Petersburg / Almanac. Utgave. 45. Timing. St. Petersburg, 2003
Det russiske museet presenterer: Keiser Paul I. Det nåværende bildet av fortiden / Almanakk. Utgave. 100. Timing. SPb., 2004
Savchuk V. Filosofi om fotografi. SPb., 2005
Stigneev V. T. Age of Photography. 1894-1994. Essays om historien til russisk fotografi. M., 2005
Utslag. Ny russisk fotografering. Album. Wedge, 2006
Fotorelé fra Rodchenko til i dag. Sider med historien til sovjetisk og moderne russisk fotografi. M., 2006
Podolsky N. Homo-bilder. Alexander Kitaev / Bak linsen. Essays om Petersburg-fotografer og fotografi. SPb.-M, 2008
Utpost. Fotoalbum. M, 2012
Fotofest 2012 biennalen. finskriftsauksjon. Houston, Texas, USA
Podolsky N. Kunstnerens gen i fotografisk virkelighet. Essay om kunstnerisk fotografi. St. Petersburg, 2013
Vasiliev S. Yrke-fotograf. Chelyabinsk, 2014
Fine Arts of St. Petersburg. M, 2014
18. november School of Visual Arts (Moskva) inviterer deg til et eksklusivt foredrag av den kjente fotografen, kuratoren, fotografhistorikeren Alexander Kitaev som en del av skolens nye rubrikk #PITERFOTOFEST-2018. fortsettelse*.
Temaet for Alexander Kitaevs foredrag: “FOTOMANI. Et skifte fra en fasjonabel stue til et raznochintsy-ly.
Start ved 15. 00
Vi vil lære om den fotografiske pandemien som bokstavelig talt oppslukte hele menneskeheten i det første århundre etter oppfinnelsen av fotografi og forstå den bokstavelige betydningen av ordene: "fotomani", "kartomani", "albummani", vi vil bli overrasket over at, det ser ut til at produktet fra det 21. århundre "ingen fotografering - ingen mann eller hendelser" går tilbake til 1800-tallet.
Alexander Kitaev: "Lysmaleri, som viste et stort løfte om å bli en ny kunst, ydmyket sine ambisjoner fra 50-tallet av 1800-tallet og, etter å ha tatt opp tjenesten til vanlige menneskers daglige behov, etablerte seg fast i rangen som håndverk. Ved siden av representanten for kirken som hadde innviet familieritualer fra uminnelige tider, en ny skuespiller– Fotografen som dekket disse hendelsene. Den kirkelige ritualens sakramenter og det mystiske lysmaleriet smeltet sammen i familiealbumet, og la grunnlaget for å bygge sin egen slektstretradisjon, i likhet med slektstreet som tidligere ble ansett som adelens eksklusive privilegium. På samme sted, som bevis på deres engasjement i det politiske og offentlige livet i land, sammen med fotografier som illustrerer stadiene i familielivet, begynte portretter av kjendiser å eksistere side om side. Dette fenomenet i fotografiets historie ble kalt "cartomania" eller med andre ord "albummani". Det som derimot ikke endrer essensen - den lidenskapelige innsamlingen av fotografiske kort og plassere dem i hjemmealbum har fått karakter av en pandemi.
